"Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayoría de las personas no saben lo que desean o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos". John Cassavetes.
2021 se acaba. Un año aún lastrado pro la dichosa pandemia, pero donde el cine se ha vuelto a levantar, a pesar de los pesares.
Acción, drama, ciencia ficción, aventuras, romance, amor, comedia, musical... Para todos los gustos y géneros, en estos 365 días ha dado tiempo a disfrutar muchos trabajos estrenados durante este año. Y para nosotros, estos han sido los diez más relevantes.
No veía a Adam McKay desde El vicio del poder (aún no me ha dado por Succession y está entre las pendientes), y confieso que le tenía ganas a No mires arriba. El director de trabajos como El reportero, Los otros dos o La gran apuesta es un cronista de su tiempo, que tratar de arrojar luz y destripar a los mecanismos de poder de la sociedad desde la crítica satírica. Pero en esta ocasión se ha pasado de listo.
Y es que en Don't Look Up (título original disponible en Netflix), McKay deforma la realidad hasta el paroxismo, dibujando una grotesca y tragicómica película sobre el fin del mundo plagado, eso sí, de estrellas del celuloide.
William Tell - Oscar Isaac- es un exmilitar que tras pasar una época en la cárcel se gana la vida como jugador profesional de cartas. Con una vida muy estructurada y calculada, su presente se ve alterado cuando aparece Cirk -Tye Sheridan- un joven que le necesita para llevar a cabo una venganza contra un coronel militar -Willem Dafoe-.
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| Oscar Isaac (© 2021 FOCUS FEATURES LLC. RESERVADOS TODOS LOS DERECHOS) |
"Olvida el dolor y piensa solo en divertirte". La divina comedia. La gran belleza. Eso es la vida, y hemos venido a usarla para disfrutar, no para sufrir. Incluso en el aparente sufrimiento hay gloria de vida. Forma parte del plan de Dios. Y esa deidad se te presentará con muchos rostros, de muchas maneras. Hasta el tuyo propio. ¿Acaso no nos hizo a su imagen y semejanza?
Para Paolo Sorrentino ese Dios fue Diego Armando Maradona, pero también el cine. Y todo junto se mezcla en Fue la mano de Dios, disponible ya en Netflix. Otro triunfo del cineasta italiano, que de estos ya cosecha unos cuantos.
En 1995, Pixar presentaba sus credenciales con el estreno de su primer largometraje -Toy Story-. Cine de animación de calidad, destinado para el disfrute del público de cualquier edad, en el que la diversión y el mensaje, en algunos casos con mayor calado, han sido los dos ingredientes principales de gran parte de las obras que la famosa empresa de animación ha producido.
Sin embargo, no fue el primer estudio que realizó películas de animación que podían ser disfrutables a partes iguales tanto por niños como por adultos. John Lasseter, uno de los fundadores de Pixar, es un profundo admirador de Hayao Miyazaki, notable cineasta y fundador del prestigioso Studio Ghibli, responsable de títulos como La tumba de las luciérnagas, Porco Rosso o El Castillo ambulante entre otros.
De esta forma, Lasseter tuvo bien claro desde el inicio que su objetivo iba a ser que los más jóvenes de la casa accediesen a temas serios a través de la animación y los más mayores volviesen a disfrutar como niños de unos dibujos animados, que les iban a tocar bien dentro, que les iban a hacer reflexionar.
Inside Out, Up, Wall●E, son claros ejemplos de ello, pero en mi caso me voy a quedar con Soul. ¿Por qué? Porque tiene un planteamiento muy sencillo: la historia de Joe, un profesor de música interino en un instituto de Nueva York que, tras conseguir la oportunidad de su vida -participar en un concierto en el mejor club de Jazz de la ciudad-, tiene un accidente que le catapulta al Más Allá.
"El sueño va sobre el tiempo flotando como un velero". De genio a genio. Fue Federico García Lorca quien en su obra Así que pasen cinco años reflejaba la tragedia del ser humano, víctima de sus sueños y un tiempo que pasa inexorable y parece alejarlo de su consecución. Tengo sueños pero no tengo tiempo. Años más tarde, Camarón de la Isla le puso voz y música a estos versos que son hoy patrimonio de la humanidad.
Aparte de ser ese "barro fino que se forma en el suelo cuando llueve o que se deposita en el fondo de una corriente o un depósito de agua", el lodo tiene otra acepción que tiene que ver con la "degradación moral, deshonra o mala reputación".
La primera definición nos acerca a la segunda, para poder llegar a entender El lodo, película escrita y dirigida por Iñaki Sánchez Arrieta, que nos lleva al Levante español, donde una fuerte sequía golpea a los cultivos de arroz y un pueblo, cuya fuente de ingresos se seca. Ricardo (Raúl Arévalo) es un experimentado biólogo que tras salvar otros acuíferos del planeta, regresa al que fue su hogar para equilibrar naturaleza y economía, a la par que rescatar a su matrimonio (Paz Vega) de una crisis insoportable.
'Marta del Castillo, 24 de enero de 2009', reza una lápida en Sevilla. Pero no hay cuerpo, solo la memoria de una joven a la que le arrebataron su vida una noche de invierno. ¿Dónde está Marta? Se pregunta toda España, pero sobre todo una familia, muerta en vida, que sigue esperando a la Diosa Justicia.
La pregunta que, además, lleva por título el excelente documental de Netflix, dirigido por Paula Cons (La isla de las mentiras), y que ha supuesto un giro en una investigación, con muchos claroscuros. En total, tres capítulos, con más de 20 entrevistas a cámara, incluyendo familiares y amigos de Marta del Castillo, abogados y otros expertos y profesionales que vivieron el caso.
Ello ha supuesto 80 horas de entrevistas, gracias a un equipo de investigación formado por ocho periodistas y más de 50 personas que han completado el proyecto, llevado a cabo en un año y medio de trabajo, donde se mantuvieron reuniones con el Tribunal Constitucional, la Fiscalía, el Supremo, y el Ministerio del Interior, entre otros.
Asimismo se realizó la transcripción total de todos los juicios, siendo una pieza clave en la elaboración del documental y la preparación de las entrevistas. En definitiva, 100 horas de grabación, filmadas en Sevilla, Madrid y Herrera de la Mancha (Ciudad Real). Imágenes, algunas inéditas, plasmadas desde el rigor, lejos de cualquier morbo sensacionalista.
En 1993 y basándose en la novela de Michael Crichton, Steven Spielberg volvía a dar un golpe en la mesa con Jurassic Park, relanzando las carreras además de Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum, que dibujaban personajes icónicos para quienes crecimos allá por los noventa.
Nacía así una saga de millones de dólares, de entretenimiento del bueno, si bien sus continuaciones dejaron que desear. Hasta que en 2015, Colin Trevorrow cogía los mandos de Jurassic World, recuperando el legado de Spielberg y regalándonos un retorno de notable alto. La saga continúa, y pese al bache de J. A. Bayona con 'El reino caído', la franquicia promete emociones fuertes de cara a 2022, con el estreno de Jurassic World Dominion.
En mayo de 1814, Napoléon se vio obligado al exilio en la isla de Elba, acorralado por las potencias europeas (Inglaterra, Austria, Prusia y Rusia). "Francia ha caído, pero acordaros de mí", grita un emocionado Rod Steiger, ante sus soldados, momentos antes de partir a su 'jaula' insular.
El actor se metía de lleno en la piel del emperador allá por 1970, en la superproducción italo-soviética: Waterloo, dirigida por Serguéi Fiódorovich Bondarchuk, bajo la producción del prestigioso Dino de Laurentiis. El director soviético venía de ganar el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Guerra y Paz; mientras que Laurentiis tenía entonces bajo el brazo, obras maestras del celuloide como La gran guerra (1959), Todos a casa (1960), Barrabás (1961) o La Biblia (1966).
Junio de 1816. La fragata Alliance, de la Marina francesa, embarranca ante las costas de Senegal. Como los botes salvavidas son insuficientes se construye una precaria balsa en la que obligan a subir a 147 hombres, mezclados entre soldados, marineros, oficiales y pasajeros, que deben ser remolcados hasta la orilla.
Sin embargo el plan de rescate no sale como estaba previsto. La balsa empieza a adentrarse mar adentro y el pánico se apodera de las 147 almas que quedan abandonadas a la deriva. Da comienzo así una lúgubre aventura, donde reina el caos, la locura, el hambre... Y ya no se sabe quienes están muertos y quienes vivos, siendo la propia muerte una salvación para estos pobres desgraciados.
Un episodio de la historia contemporánea retratado en la obra maestra de la pintura del Romanticismo: La Balsa de la Medusa, del francés Théodore Géricault. Y también el hilo conductor para construir el relato de Alessandro Baricco, que ha adaptado de forma muy arriesgada a la gran pantalla el director español Agustí Villaronga, con el título El vientre del mar.
La profesión de periodista siempre ha estado denostada. Y eso desde que los poderosos se enteraron que la información es poder. Desde entonces han infiltrado a sus esbirros en los medios de comunicación, actuando como intoxicadores oficiales del establishment con el disfraza de periodista.
El Periodismo no lo ejercen los voceros y correveidiles de las élites. El periodista como tal, el auténtico, que persigue la verdad o veracidad de sus informaciones hasta el infinito y más allá, está hecho de otra pasta. Siempre trabajando más en la trastienda del poder que para el poder. Por eso desconfíen de esos que a diario llenan las tertulias de televisión, manipulando a la masa al antojo de un grupo o persona interesada. Esos son de todo, menos periodistas.
A menudo el cine se ha aproximado a esta temática, creando un género cinematográfico propio, con auténticas obras maestras. Y si alguien desea saber más sobre esto, el recomiendo el libro 'Las cien mejores películas sobre Periodismo', de mi admirado David Felipe Arranz. Porque yo hoy vengo a hablar de la última declaración de amor del séptimo arte al Periodismo de verdad, y que firma otro genio como Wes Anderson, bajo el título 'The French Dispatch', o 'La crónica francesa', como se ha bautizado en España.
Steven Soderbergh es un director muy, muy peculiar. Sabe como pocos dominar a un reparto coral, lleno de estrellas, y repartir minutos sin dañar sus egos. No solo eso, sino que consigue que se mezclen, en una suerte de laberinto, con una salida satisfactoria en el noventa y nueve por ciento de los casos.
Como un pequeño cabroncete, el ganador de un Oscar por Traffic (obra maestra) lanza las piezas del puzzle sobre la mesa, las revuelve hasta marearte y te dice algo así como: atrévete a unirlas. Eso sí, no es tan sádico y te echa una mano, descubriendo un cuadro final de notable alto. O al menos es el caso de su último trabajo hasta la fecha: Sin movimientos bruscos, estrenada directamente en HBO Max.
Es el fenómeno de masas del momento, y con razón. Netflix ha vuelto a triunfar con los nueve primeros capítulos de El juego del calamar a base de glutamato y potenciador de vicios humanos, a lo que quien más quien menos sucumbe en algún momento del día. Hedonismo puro y duro, desde Corea del Sur, en su tinta.
Un cazador de trufas, que vive solo en los bosques de Oregón, tiene que abandonar su retiro voluntario para volver a Portland. Su objetivo: recuperar a su preciada cerda trufera que ha sido secuestrada. Como argumento de una película, suena demencial, incluso ridículo. Pero es la base central sobre la que se asienta Pig, el interesante debut de Michael Sarnoski tras las cámaras.
En una época en la que las franquicias de superhéroes, las películas inclusivas con todo tipo de colectivos y los remakes varios copan gran parte de los estrenos, hemos de estar agradecidos a las cintas independientes, que se abren hueco en nuestras carteleras y nos brindan con algo de originalidad.
¿Innovar o contar una historia ya vista muchas veces en la gran pantalla? Es lo que debió pensar el bueno de John Lee Hancock antes de ponerse detrás de las cámaras para dirigir su propio guion en Pequeños detalles. El cineasta escribió el libreto de su séptimo filme como director hace más de dos décadas, momento en el que el género del thriller alcanzaba su cenit con títulos como El silencio de los corderos o Seven. Desde entonces, salvo la sobresaliente Zodiac, el resto de películas con asesino en serie y policías investigando los casos han quedado descafeinados. Ya se sabe, las comparaciones son odiosas.
The Little Things -título original- es otro de esos trabajos que no aportan mucho al género. La historia de Joe Deacon -Denzel Washington-, un veterano policía, ayudante del sheriff del condado, que vuelve a Los Ángeles donde comienza a colaborar con Jim Baxter -Rami Malek-, un detective de homicidios para dar caza a un asesino en serie que mata a chicas jóvenes. ¿Qué hace que esta película no sea una más, de esas que se no se recuerdan una vez vistas y pasan al cajón del olvido? Los pequeños detalles. Como Deacon dice en el filme: los pequeños detalles, esos que te pueden enterrar.
El agente Joe Bayler (Jake Gyllenhaal) trabaja en la Central de Emergencias 911 de Los Ángeles, mientras se resuelve el proceso judicial en el que está inmerso. No es su pecera, pues la calle corre por sus venas, pero no le queda a otra hasta poner fin a sus cuitas con la justicia.
Un día antes de enfrentarse a su destino, recibe la llamada de Emily (Riley Keough), que pide auxilio tras haber sido secuestrada por Henry (Peter Sarsgaard). Con unos pocos datos de su paradero, comienza una carrera a contrarreloj para Joe, que pondrá todo su empeño en salvarla y de paso liberarse a sí mismo de los fantasmas que le acosan.
Con este planteamiento, Antoine Fuqua (Training day, The Equalizer) vuelve a colaborar con el guionista Nic Pizzolatto, tras Los siete magníficos, para adaptar la película danesa The Guilty (2018), con protagonismo absoluto para un notable Jake Gyllenhaal, en su segundo trabajo con Fuqua (Redención). El actor sabe exprimir al máximo este tipo de papeles de traumatizado antihéroe, al borde del abismo, que cumple su última misión antes de aceptar su inexorable destino.
Tiiiiiimeeeee..... It´s on myyyyy siiiiide.....YES IT IS!!!!! Imaginaos la voz de Mick Jagger y las inconfundibles notas de los Rolling Stone. Ahora un plano largo de la ciudad a rebosar de gente, y el cabrón de Azazel, condenado a vagar eternamente por la Tierra al creerse más listo que Dios, saltando de un cuerpo a otro, poseyendo al personal, que se convierte en un asesino implacable, invisible y con el tiempo de su lado. Vamos: el asesino en serie perfecto.
Este es el planteamiento de una película, Fallen (para mi), sencillamente deliciosa. Un thriller en las postrimerías de los noventa, con un reparto descomunal encabezado por Denzel Washington. Y atención quien secunda al oscarizado actor: John Goodman, Donald Sutherland, James Gandolfini, Elias Koteas, Embeth Davidtz y Aida Turturro.
Siempre hay tiempo para un último trago, un último baile o un último viaje. Incluso una última película... O quién sabe si la penúltima. El caso es que siempre hay y habrá tiempo para alabar a alguien como Clint Estwood, que a modo de testamento cinematográfico, firma su suerte de despedida en Cry Macho.
Y sí, seguramente sea recordada como una de sus películas menores, pero alguien que a sus 91 años se da el gustazo de dirigir y protagonizar su último tango de frontera, solo puede recibir un rotundo aplauso y por supuesto: gracias. Un 'meritazo' como pocos.
A las 8.46 horas (hora local de verano en el Este de los Estados Unidos) del 11 de septiembre de 2001, el mundo cambió para siempre. El vuelo 11 de American Airlines, un Boeing 767 que había despegado de Boston en dirección a Los Ángeles con 92 personas a bordo, impacta contra la Torre Norte del World Trade Center.
A las 9.02 horas de ese mismo día, el vuelo 175 de United Airlines, un Boeing 767 con destino Los Ángeles también desde Boston y 65 personas a bordo, choca contra la Torre Sur, en unas imágenes además captadas en directo por las televisiones que cubrían el primer golpe. Videos para la trágica posteridad.
En ese momento no había duda de que estábamos ante un atentado terrorista en vivo. Algo inaudito, impensable que, en mi caso, me pilló con solo 13 años y sin entender qué estaban viendo mis ojos. Llegaría más tarde otro avión contra el Pentágono y los héroes del United 93, que hicieron frente a los terroristas que llevaban el vuelo rumbo al Capitolio. Éste cayó en mitad de Shanksville, Pensilvania.
El Departamento de Asuntos de los Veteranos de los Estados Unidos gestiona el sistema de beneficios a los que tienen derecho los veteranos de guerra, en cuanto a su condición como tal. Dado el historial militar de Estados Unidos maneja un jugoso presupuesto que, sin embargo, se ha ido mermando poco a poco. Lo que se conoce como recortes. Cosas de la burocracia y los héroes de guerra abandonados como perros apestados.
El caso es que entre esos beneficios se encuentran servicios sociales, médicos y clínicos, tanto para el veterano como sus familiares y sobrevivientes. En un país como Estados Unidos, donde sin seguro médico no vas a ningún lado, con una sanidad pública paupérrima, estos beneficios se antojan vitales para aquellos que quedaron fuera de juego por sus heridas de guerra.
Sin embargo, salvo que la enfermedad, dolencia o patología esté relacionada con el servicio militar, un veterano no es elegible para los beneficios hospitalarios, y por tanto, necesitará el seguro privado. Es lo que se conoce en la jerga militar como 'Article 99', título homónimo, además, de la película dirigida por Howard Deutch en 1992 y que se tradujo como Paro clínico.
Controvertido, egocéntrico, impulsivo, mal hablado y con muy malas formas, pero un estratega de los pies a la cabeza a quien EEUU y el resto del mundo deben mucho. No hablo de Winston Churchill, que también podría entrar en esa descripción, sino del general George Patton.
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| (Foto: IMDB) |
La biografía de este brillante militar fue llevada al cine -de forma magistral- en el año 1970 de la mano de Franklin J. Schaffner. Apoyado en un guion escrito por Edmund H. North y un 'tal' Francis Ford Coppola a las puertas del Olimpo cinematográfico, Patton es una radiografía no solo personal, sino también histórica. Desde el norte de África a Berlín, pasando por Sicilia, Normandía y Las Ardenas, el filme hace un exhaustivo análisis a las mayores gestas que los Aliados libraron frente al ejército alemán.
Estadísticas y probabilidades; algoritmos; logaritmos; variables... ¿Existe el azar o todo está sumado a la lógica matemática? No lo sé, pero tengo la impresión que de todo eso hay en la vida, como una especie de ecuación donde tarde o temprano despejaremos la X. Y en poco menos de dos horas lo ha recogido condensado el guionista y director danés Anders Thomas Jensen, en Jinetes de la Justicia, con dos colosales Mads Mikkelsen y Nikolaj Lie Kaas como principales protagonistas.
Ken Miles: ¿Vas a construir un coche para ganar al viejo Ferrari con Ford? ¿Con un Ford? ¿Y cuánto tiempo les has dicho que necesitabas, unos trescientos años?
Carroll Shelby: Noventa días.
Siento debilidad por M. Night Shyamalan, desde su explosión popular en El sexto sentido, una película a la que regresar una y otra vez y observar que por ella no pasa el tiempo. Tampoco por otra de mis placeres confesables: Señales. Aún guardo en la retina la expresión de Joaquin Phoenix frente al televisor, observando al alienígena al otro lado de la pantalla. Batea Merrill... En fin, maravilloso.
Y podría estar hablando horas de El protegido (¡Qué barbaridad de filme!) y sus continuaciones en Múltiple y Cristal (lo que hace James McAvoy es de otro planeta), o La joven del agua, El bosque y recientemente La visita. Incluso sus aportaciones en Wayward Pines (la primera temporada le da sopas con honda a la segunda). No me meteré en sus obras menores; que lo hagan otros.
En fin, un director todopoderoso, que siempre ofrece algo más allá de lo convencional, llevando en ocasiones al límite al espectador, tras un atosigamiento que te acompaña días y días. Al menos en los trabajos anteriormente citados, el poso de Shyamalan te invita a activar todos los sentidos de tu Ser. Algo que trasciende al cine moderno, con ese porte clásico que el director aprovecha para aparecer en secuencias esporádicas, como un punto de inflexión en la trama.
Este gusto se lo ha dado personalmente y más prolongado, curiosamente, en su último trabajo: Tiempo. Y de nuevo el cineasta indio logra satisfacer (a mi al menos) las expectativas creadas antes de su estreno. Porque cuando se viene algún nuevo trabajo de M. Night Shyamalan: ¡Paren las rotativas!
"Ya sabes lo que dicen: si te caes de un caballo, súbete a otro deprisa". Así es la vida. Y así es la reflexión del joven veinteañero y aspirante a novelista, Larry Durrell (Josh O'Connor), junto a su madre Louisa Durrell (Keely Hawes) con el mar Jónico de fondo, bañando la isla de Corfú (Grecia), donde a través de seis intensos capítulos, Los Durrell están convencidos de que la vida es maravillosa, a pesar de todo.
Starsky y Hutch, más Corrupción en Miami, igual a La banda de la mano. Este fue el salto a la gran pantalla de Paul Michael Glaser, bajo el manto protector del maestro de la acción Michael Mann, allá por 1986. De hecho ambos habían coincidido anteriormente en el rodaje de varios capítulos de la exitosa serie que legó para la posteridad a los míticos Sonny Crockett y Ricardo Tubbs.
Con ese aroma, siguiendo la misma estela visual, Band of the Hand (título original) es puro cine de acción ochentero. Además con todas las letras, sin punto, ni coma. Esa estética es inconfundible, también la forma de rodar cada una de las secuencias, la música (qué barbaridad de banda sonora) y por supuesto, la caracterización física y emocional de los personajes.
Perogrullo o perogrullada es aquello que ocurre cuando se dice una cosa tan obvia sabida, que resulta hasta absurdo decirla. Por ejemplo: no hay futuro sin presente. Y sin embargo se da la paradoja de que algo tan manifiesto, evidente y de cajón se ha olvidado, pues se omite el presente y se salta constantemente a un futuro incierto, donde se vive (si a eso se le puede llamar vivir) angustiado por algo que no ha ocurrido. No contentos con eso, regresamos al pasado para martirizar un poquito más la maltrecha conciencia, y en ese juego sigue la humanidad.
Eso viene a mostrar (al menos a mi) La guerra del mañana, disponible en Amazon Prime Video y con Chris Pratt como maestro de ceremonias. En síntesis, en mitad de la final del Mundial de Qatar 2022, un grupo de humanos del 2050 aterriza armado en el partido y avisa a la humanidad que su extinción está próxima a su fin por una invasión alienígena.
Para ganar la contienda, los ciudadanos mayores de edad del 2022 son enviados al futuro a través de un agujero de gusano. Entre ellos Pratt, padre de familia americano (ya me dirán que hace viendo a lo que se presupone Brasil), que presencia atónito desde el sofá de su casa la escena. Él y otros, tanto de hoy como de más allá, tendrán en su mano evitar el final de la raza.
"Muéstrate a ti mismo ante tu más profundo miedo; después de eso, el miedo ya no tiene poder y eres libre". "¡Soy el Rey Lagarto. Yo parto y reparto!". "De hecho, no recuerdo haber nacido, debió haber ocurrido durante una de mis borracheras". "Quien controla los medios de comunicación, controla las mentes". "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes".
Allá por 2018, John Krasinski revitalizaba el género de terror sin hacer ruido, valga la metáfora, con Un lugar tranquilo. A tenor de la crítica, Krasinski no había empezado con buen pie en eso de la dirección tras Entrevistas breves con hombres repulsivos, adaptación de la novela de David Foster Wallace. Pero con Los Hollar, notable tragicomedia, recuperó cierto impulso, que le valió el triunfo junto a la siempre sobresaliente Emily Blunt con A Quiet Place (título original).
Éxito de público y crítica mediante era necesaria una secuela de esa invasión alienígena y la supervivencia de la raza humana. Y el norteamericano lo ha hecho con mucha inteligencia, sin caer en la repetición, que era el camino fácil, y haciendo los retoques justos para dar continuidad a lo que se presume una saga muy entretenida. El relevo generacional está garantizado y nosotros que lo celebramos.
Así pues, Un lugar tranquilo 2 nos hace la envolvente del regresar al origen de la invasión extraterrestre. Cuándo y cómo sucedió todo. Lo hace de la forma más vertiginosa posible, de forma directa, como debe ser. Espectacular arranque. A partir de ahí, con un salto espacio temporal y varios flash, nos recuerda el mundo apocalíptico donde nos dejó hace tres años.
El método Kominsky llegó a puerto. Se acabó. Tres temporadas que han rallado a una gran altura desde que emergiera con chispa en 2018, con una continuación, la segunda temporada, manteniendo un nivel de comedia que no se ha arrugado en ningún momento. Como un buen plato de comida, madurado y reposado, sabe mejor.
Y es que la pareja que nos han legado Michael Douglas y Alan Arkin en este tiempo ha sido de matrícula. Qué conexión, qué química. A la vejez viruelas, y buenas risas. El creador de The Big Bang Theory, Chuck Lorre, ha conquistado Netflix desde la autenticidad de unos personajes creíbles, que han logrado el éxito profesional, pero en lo personal, son otra historia. Conjugar las dos esferas en estas temporadas ha sido un trabajo maravilloso.
"Welcome to your life". Así arranca Everybody wants to rule the world, traducida como 'Todos quieren dominar el mundo', el 'temazo' de Tears For Fears que flota en cada uno de los planos de En un lugar salvaje, debut detrás de las cámaras de una siempre solvente Robin Wright. ¡Qué narices! Una pedazo actriz, que pone los pies en la dirección con cautela, eso sí, y sin mucho riesgo, a pesar de tener entre manos una historia muy interesante.
Año 2004. Friends pone punto y final a diez años de dominio televisivo, como una de las series más reconocidas y vistas de la historia. No es para menos, pues desde que aparecieron por primera vez en 1994, Chandler, Phoebe, Ross, Monica, Joey y Rachel han conquistado el corazón de generaciones del planeta, entre los que me encuentro. Cada capítulo se convertía en una experiencia vital propia, un episodio del que siempre sacabas algo con lo que experimentar en tu día a día. Tal ha sido su poder desde entonces.
Porque yo, como muchos de los que podéis estar leyendo esto, crecí viendo Friends en esa franja gratuita que ofrecía Canal + por entonces. Este grupo de neoyorquinos se colaba por la tele a mediodía como un miembro más de la familia, y con su final algunos nos quedamos un poquito huérfanos. Si bien he de reconocer que en las últimas temporadas la frescura de los personajes empezaba a perder fuelle y era necesario cortar por lo sano.
La ciudad de las luces brillantes prende en fuego mi alma. Tengo mucho dinero listo para quemar, así que sube esas apuestas. Hay miles de bonitas mujeres esperando fuera, todos están viviendo y solo soy el diablo con amor de sobra. Así que: ¡Viva Las Vegas!
Vale sí, en inglés y con la voz de Elvis Presley suena mucho más excitante. Pero qué narices: ¡Viva Las Vegas!. La ciudad de las luces de neón, de los excesos, donde todo está permitido. Hasta el apocalipsis zombie de Zack Snyder, que manda al carajo a la urbe más famosa del desierto en Ejército de los muertos, ya disponible en Netflix. No sin antes enviar a un grupo de desarrapados a asaltar una última vez la caja de la ciudad de los casinos, con conspiración militar y política de por medio.
“Internet es una cosa y su contraria. Podría remediar la soledad de muchos, pero resulta que la ha multiplicado", decía en el año 2013 el semiólogo y escritor italiano, Umberto Eco. El tiempo le ha dado la razón, con esta gran paradoja que producen las redes sociales, de dar la posibilidad de estar en contacto con millones de personas y a la vez provocar un vacío existencial.
El mundo virtual, en definitiva, se ha construido para escapar de las miserias de la realidad. Un autoengaño, que lleva a dar más poder al ego en detrimento de la esencia del ser humano. Esa huida hacia delante está construida desde la mentira, que como se sabe, tiene las patas muy cortas. Es como una droga. Adictos a las redes, que una vez apagadas, provocan la caída que produce esa emoción de la que hablaba Umberto Eco.
Sobre esta tesis trabaja el cineasta sueco, Magnus von Horn, en su segundo largometraje: Sweat, triunfadora en Chicago y en la sección oficial de Cannes en un 2020 que finalmente no pudo inaugurar. Una lástima porque tenía muchos posibles.
El 20 de mayo de 1506 moría en Valladolid Cristóbal Colón, a causa de la gota. Cuentan las crónicas que falleció prácticamente solo, abandonado y menospreciado por sus adversarios, que siempre le vieron como una amenaza a pesar de sus hazañas.
La historia la escriben los ganadores. Cuánto de verdad y ficción hay en el mito de Colón siempre será un misterio, pues mientras para unos fue un avaro, movido solo por los intereses de riqueza y poder, para otros resultó un visionario, un humanista que abrió el Nuevo Mundo al Viejo. Legado que recogió -interesado claro- el hijo menor del genovés. Y al final como siempre ocurre, entre uno y otro bando, en el medio se hallará la virtud.
No hay que olvidar que Colón era marino mercante y hombre de negocios, por lo que eso de amasar fortuna por encima de todo no le era un sentimiento ajeno. Ahora bien, el espíritu plus ultra de la época, a buen seguro que le movió para emprender uno de los viajes más fascinantes de la historia de la humanidad. Eso, y coincidir en tiempo y forma con una mujer impresionante como Isabel de Castilla, la precursora del cambio de época de la Edad Media a la Edad Moderna.
En fin, que la figura de Colón da para una extensa bibliografía y también filmografía. Y en esta última, la que nos ocupa, destaco una película que recientemente pude ver, como 1492: La conquista del paraíso, dirigida por Ridley Scott, con guión de Roselyne Bosch. Y confieso que lo hice movido por el romanticisimo de una banda sonora, compuesta por Vangelis, que pone los bellos de punta.
Reunir a Amy Adams, Gary Oldman, Wyatt Russell, Julianne Moore, Anthony Mackie, Jennifer Jason Leigh o Fred Hechinger bajo las órdenes de Joe Wright (Expiación, El instante más oscuro) es, a priori, motivo de excitación si te gusta esto del cine. Vaya reparto, independientemente de la historia que se te sirva en bandeja. Y ya si le añades un poco de intriga, con crimen y y tientes de thriller psicológico, pues es normal que te vengas arriba.
Todo eso junta La mujer en la ventana, ya disponible en Netflix y que adapta la novela homónima de A.J. Finn. Vamos, que a todos esos ingredientes se le añade una base argumental que ha captado la atención a miles de lectores en todo el mundo, entre los que por cierto no me incluyo. Es decir, que muy mal lo tienes que hacer para no ganarte el favor de quien va a conceder una hora y cuarenta minutos de su tiempo, a sumergirse en el placer del thriller.
Eso es al menos lo que yo esperaba -craso error el mío-. Más aún teniendo en cuenta que no había leído el libro, con lo que acudía virgen a la propuesta de Wright y los suyos. Pero ni por esas me convence este trabajo pretencioso, que produce vértigo de tanto giro que no sabes hacia donde te lleva. Aunque lo peor de todo es desaprovechar semejante talento, con un reparto de minutos desigual.
- ¿Por qué tienes tanto miedo?
- Escucha, no debes inmiscuirte en esto. ¡No es asunto tuyo!
- Los criminales de guerra conciernen a la Policía, pero si la Policía no quiere hacer nada, tendré que hacerlo yo.
Cine y periodismo. Periodismo y cine. Un binomio siempre interesante, como ponía de manifiesto en 1974 Odessa, coproducción británico-germana dirigida por Ronald Neame, y con Jon Voight, Maximilian Schell, Mary Tamm y Derek Jacobi como protagonistas.
El 26 de abril de 1986 el mundo se estremeció con la explosión del reactor número 4 de la central nuclear de Chernobyl, en la actual Ucrania. Y 35 años después sigue horrorizando el cómo y por qué ocurrió, el oscurantismo de las autoridades soviéticas y las miles de vidas humanas segadas por ese "pequeño incendio".
Es verdad que nunca sabremos calcular la inmensidad del desastre, pero afortunadamente la vida siempre se abre paso. De Chernobyl se ha hablado todo lo habido y por haber. Rara vez hay algo novedoso, si bien HBO conquistó a público y crítica con su excelente serie homónima. Y años antes, Iker Jiménez ponía los pelos de punta con un documental perfecto de principio a fin, donde se hablaba del accidente, sus causas y consecuencias, los implicados, el silencio espeluznante de la Rusia comunista. Un trabajo redondeado con una bárbara banda sonora, lleno de humanidad y del carisma que define a su autor.
A ese género el documental, pertenece Chernobyl: 35 años después, dirigido por Ben Fogle y al que precisamente le falta eso, estrella, fuerza... Llámalo magia. Y eso que el británico recorre las salas de la mismísima central, algo insólito. Y las calles de Prypiat, la ciudad fantasma, otrora baluarte del socialismo, para competir con las polis occidentales.
Cuatro años después, Corea del Sur sigue infestada de zombies. Y en casi un lustro, éstos se han desgastado bastante, aunque todavía siguen teniendo un pelín de chispa. Es el intervalo de tiempo y erosión que hay también desde Train to Busan a Train to Busan 2, o como han querido traducirla: Península.
La segunda parte de una película que en 2016 fue un tsunami de aire fresco para el género, no alcanza esa cota de poder, pero conserva una pizca de ese punch, al menos desde la acción pura y dura. Lo suficiente como para no recurrir a la afirmación de: 'Segundas partes nunca fueron buenas'.
En 1991, Yugoslavia empezó a fragmentarse en naciones separadas. Con el pretexto de mantener su integridad, el ejército yugoslavo dominado por los serbios, atacó Eslovenia y Croacia.
En abril de 1992, con la esperanza de asegurar su protección internacional, Bosnia declaró su independencia. Ésta fue rechazada por muchos serbio-bosnios, que con la ayuda del ejército yugoslavo, intentaron recuperar cuanto terreno pudieron.
Iniciaron la limpieza étnica de la población musulmana, mientras atacaban Sarajevo, la capital de Bosnia. Esta ciudad fue aislada del mundo exterior y se convirtió en la ciudad sitiada.
Y con esta presentación, arranca Welcome to Sarajevo, dirigida por Michael Winterbottom en 1997, con guion de Frank Cottrell Boyce, que adapta el libro del periodista Michael Nicholson sobre los hechos reales ocurridos en la ciudad entre 1992 y 1993.
El 28 de diciembre de 1895, August y Louis Lumière proyectaron ante el público imágenes en movimiento; imágenes que cobraban vida ante los ojos de unos espectadores que, a finales del siglo XIX, no sabrían describir la sensación que recorría su cuerpo cuando veían en pantalla lo que reflejaba la cámara. Nacía oficialmente el cine.
Pero años más tarde, algo dio un giro revolucionario a este arte. La industria y la ciencia ficción iban a unirse gracias a la magia de un genio como Georges Mèliés. El mago vuelve a la vida gracias a la Fundación ‘la Caixa’, que en colaboración con el Ayuntamiento de Fuenlabrada y La Cinémathèque Française, expone en la Plaza de España de la ciudad, del 14 de abril al 12 de mayo, la muestra Empieza el espectáculo. Georges Mèliés y el cine de 1900. Una exposición itinerante que continuará en Salamanca y que está comisariada por el escritor y guionista, Sergi Martí.
No hay mayor fiesta que la vida. Nuestro tránsito por la existencia es la mejor onomástica que nos olvidamos de celebrar, por eso de ir con el piloto automático a todas partes. Hasta que llega el tándem Thomas Vinterberg y Mads Mikkelsen para recordarnos con Otra ronda, que el tiempo que estemos aquí, el que sea, lo vivamos tal como viene. Una película que te lleva del éxtasis a la resaca en un viaje emocionantísimo, y con un final apoteósico. Un chute de moral como pocas veces. Así me imagino yo el final de esta y cualquier pesadilla real. Para que luego digan que los daneses son muy fríos.
En síntesis, Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe son cuatro profesores, además de amigos, que en una especie de crisis de los 40, se embarcan en un proyecto sociológico, donde cada uno de ellos debe mantener la misma tasa de alcohol en su cuerpo. A partir de ahí, el equipo toma sus apuntes para observar de qué manera influye en sus vidas. Y los cambios en sus esferas personales o profesionales van a ser más que evidentes, dejando secuencias con muchísima fuerza, gracias también a una banda sonora de diez.
La historia de la humanidad se ha ido construyendo a través de los nómadas, que en un momento concreto dejan de serlo para asentarse en un punto fijo, y de ahí crear la civilización. Si en esa ubicación no hay prosperidad, vuelta de nuevo al camino, a seguir adelante y nunca detenerse.
Esa historia es más evidente en Estados Unidos, donde los colonos fueron asentándose y arrinconando a los nativos hasta casi su extinción. Probaban suerte en una zona y si no funcionaba: carretera y manta. Así hasta la actualidad.
El cine no ha sido ajeno a esto. Ya sea por ansias de fortuna o grandes depresiones, el norteamericano siempre se ha movido por el vasto territorio, por cuestión de supervivencia hasta encontrar un sitio en el que aposentarse. Y de no hallarlo, continuar en ruta. Ahí están Las uvas de la ira, La conquista del oeste o Luna de papel, como ejemplos más palpables. Pero también otros títulos como La quimera del oro, El tesoro de Sierra Madre o incluso El emperador del norte o Carnivale. En definitiva, títulos donde los protagonistas tratan de buscarse la vida de la mejor forma posible, inasequibles al desaliento.
Ahora, en pleno siglo XXI, llega una propuesta como Nomadland, dirigida por Chloé Zhao y protagonizada por Frances McDormand. Una apuesta más cercana a las obras de la Gran Depresión (1929) que a amasar oro, donde la oscarizada actriz da vida a Fern, una mujer que ha perdido a su marido, fallecido durante la crisis económica del 2008. Los efectos del colapso financiero arrasan su natal Nevada, y ella emprende un viaje en su furgoneta trabajando en distintos sectores: desde empaquetadora de Amazon, hasta un restaurante.
