"Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayoría de las personas no saben lo que desean o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos". John Cassavetes.
William Shakespeare vuelve al cine. En verdad, nunca lo ha abandonado. Esta vez, lo hace por la puerta grande (como casi siempre), de la mano de la directora ganadora de un Oscar por Nomadland, Chloé Zhao, bajo la producción de dos tótems como Steven Spielberg y Sam Mendes.
¿Quieres aventura? Vete al antiguo Egipto con La Momia. ¿Un drama de espionaje en mitad de la Segunda Guerra Mundial? Él es El americano impasible. ¿Un drama sobre la culpa y el perdón? La ballena es la respuesta. ¿Reír a carcajada limpia? Pues Al diablo con el diablo...
El chico para todo, no está en venta, ni en alquiler, pero te asegura buenos momentos de cine. Hablamos de Brendan Fraser, el ganador del Oscar en 2023, uno de los actores del momento, que vive las mieles del triunfo tras saborear las hieles del fracaso personal y profesional. Quizá porque sabe de qué va la historia, su última película hasta la fecha, Rental Family (Familia de alquiler), le viene como anillo al dedo.
El 1 de enero de 1818 vio la luz la novela Frankenstein o El moderno Prometeo, escrita por Mary Wollstonecraft Shelley, conocida para la posteridad como Mary Shelley. Considerada la primera novela de ciencia ficción moderna, la obra pone en tela de juicio la moralidad científica y el afán del ser humano a jugar a ser Dios, creando vida desde la destrucción en vez desde el amor, condición innata de la persona.
Frankenstein tiene su semilla en el verano de 1816, conocido como el año sin verano, debido a la erupción del volcán Tambora, que dejó unas temperaturas inusuales en el hemisferio norte. Un verano que el matrimonio Shelley pasó junto a Lord Byron, en la Villa Diodati, Suiza.
Byron retó a los Shelley y a su médico personal, John Polidori, a componer, cada uno, una historia de terror. De los cuatro, solo Polidori completó la historia, pero Mary concibió una idea, que terminaría siendo la popular novela de terror gótico que, todavía hoy, sigue fascinando.
En España tenemos una película, Remando al Viento, dirigida por Gonzalo Suárez, protagonizada por Hugh Grant, Lizzy McInnerny, Valentine Pelka, Elizabeth Hurley y José Luis Gómez, que recrea de forma sobresaliente aquel verano en el que se fraguó Frankenstein. Una película exquisita en sus formas y su composición, con una narrativa excepcional y unos personajes magistralmente interpretados.
Hablar de la Mafia en el cine es hacerlo de un actor, que se eleva entre muchos otros, como Robert de Niro. Inolvidable su Vito Corleone de El Padrino, recorriendo las azoteas de Little Italy, para convertirse en el capo de Nueva York durante las Fiestas de San Roque.
Ha sido en otras Fiestas, las de San Genaro, cuando he sentido el privilegio de caminar por esa larga calle de lo que un día fue Little Italy. Y sí, cosas del cine, parece que puedes sentir a Coppola en ese enigmático travelling captando a Fanucci por un lado y a Corleone por otro.
Ensoñaciones a parte, De Niro nos ha acostumbrado a grandes interpretaciones en el mundo del Hampa o relacionada con ella: Uno de los nuestros, Casino, Los intocables de Elliot Ness, El irlandés, Malas Calles o Una historia del Bronx. También en Sleppers, donde si bien es cierto que la Mafia no es su leitmotiv principal, De Niro interpreta al padre Bobby, que trata de evitar que los jóvenes protagonistas caigan sobre la influencia de King Benni (Vittorio Gassman), antiguo pistolero de Lucky Lucciano.
Esta última película (todavía hay localizaciones en Hells Kitchen y en el East Side que se pueden disfrutar en una soleada mañana por Manhattan) me vale para recordar la colaboración de Robert de Niro con Barry Levinson. Y no solo en Cortina de Humo.
Ahora han vuelto juntos, está vez sí de lleno con la Mafia, con The Alto Knights. El actor ganador del Oscar interpreta a Frank Costello y Vito Genovese (De Niro), en su pugna por el control de Nueva York. En aproximadamente dos horas, Levinson recrea como la amistad de ambos se tuerce por la traición, el ego y dos formas distintas de interpretar los 'negocios' de la Mafia.
El rey sigue siendo el rey decía el personaje de D'Angelo Barksdale en la primera temporada de esa maravilla de la televisión que es The Wire. En esa escena, el traficante de Baltimore utilizaba la pieza del rey en el ajedrez para explicar la importancia de esa figura, ya sea en célebre juego surgido en la India y desarrollado posteriormente por los árabes o a lo largo de la historia para tantas y tantas naciones o imperios.
La ausencia del soberano de una nación dejaba un vacío de poder en la misma que podía ser aprovechado por territorios colindantes para entrar en guerra o por usurpadores del trono, ávidos de poder y riqueza. En este último caso, la historia más popular es el poema épico creado por Homero, La Odisea.
La Guerra de Troya, los diez años posteriores en los que Ulises -también conocido como Odiseo- trata de volver a su isla, Ítaca, luchando con cíclopes, sirenas y otras criaturas mitológicas, así como la espera de su amada Penélope, que en un paradigma de fidelidad rechazaba a todos sus pretendientes con la mejor arma posible, la inteligencia y un telar como único instrumento, dan cuerpo a una epopeya que marcó a la humanidad y a tantas obras literarias posteriores.
Sobre la vuelta de Odiseo a su tierra trata El regreso de Ulíses, película dirigida por Uberto Pasolini. El cineasta hace una aproximación bastante fidedigna del texto original, con un Ulises que, tras 20 años de batallas, aventuras y penurias, regresa a su isla para descubrir una situación completamente distinta a la que dejó al partir a la Guerra de Troya. Pobreza, ambición y destrucción asolan tanto a su familia como a los ciudadanos de Ítaca. Con numerosos pretendientes ansiando el amor y la riqueza de la reina Penélope y con esta intentado esquivar su más que posible destino anhelando aún la vuelta de su marido.
20 de junio de 1975 (en España habría que esperar al 19 de diciembre). El cine está a punto a de cambiar. También la visión del mar, la playa y el verano. Ese día llega a las salas de cine de Estados Unidos, Tiburón, dirigida por un joven llamado Steven Spielberg.
Hasta entonces había dirigido en 1964 Firelight, una especie de ‘superproducción’ familiar, augurio del futuro Rey Midas (en The Fabelmans se recrea a la perfección). Y fue en 1971, cuando dio un golpe en la mesa con El diablo sobre ruedas (si tienes un camión detrás mientras conduce, acuérdate de Steven). En el 74 llegaría Loca evasión y de ahí, al 20 de junio de 1975.
11 de octubre de 1975. Faltan apenas un par de horas para que sean las 11:30. El programa no empieza porque esté listo. Empieza porque son las 11:30. Lorne Michaels lo tiene claro. Su equipo no, pero están a punto de hacer historia de la televisión.
Faltó poco para que no escucháramos a Chevy Chase decir por primera vez: ¡En directo, desde Nueva York, es sábado noche! Una de las frases más famosas de la historia de la televisión. Porque eso fue, ha sido y es Saturday Night, además de cuna de grandes cómicos como Dan Aykroyd, John Belushi, el propio Chevy Chase, Billy Crystal o Andy Kaufman, además de Julia Louis-Dreyfus, Robert Downey Jr., Will Ferrell, Eddie Murphy, Bill Murray y un largo etcétera.
Año 1996. Tito y Tarántula retumban con su After Dark y una Salma Hayek deja boquiabiertos a George Clooney, Quentin Tarantino y todo hijo de vecino. Ese año, Robert Rodríguez nos regala Abierto hasta el amanecer y una visión pulp de los vampiros, que ya no son blancuchos, ni góticos.
Treinta años después, Ryan Coogler los da otra vuelta de tuerca a los chupasangre, y nos los sirve en un monótono blues, con Michael B. Jordan como protagonista, en Los pecadores. Una película acomplejada, pero que nos deja momentos divertidos en cuanto toca la acción pura y dura.
Cine periodístico elevado a los altares de la excelencia. Eso es Septiembre 5, la película de Tim Fehilbaum que rinde honores al equipo de Deportes de la ABC, que pasó de cubrir los Juegos Olímpicos de Múnich 1972 a televisar por primera vez en la historia un atentado terrorista, que tuvo en vilo durante horas al mundo entero.
Tras la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto, Alemania se presentaba al mundo en 1972 como una potencia renovada, que había expiado sus pecados y cumplido la penitencia de una atrocidad sin precedentes. La humanidad tenía sus ojos puestos en una cita olímpica muy especial, con gigantes deportistas como Mark Spitz o, por lo que nos toca, Mariano Haro.
Años noventa, comedia romántica y Hugh Grant. La ecuación perfecta para grandes trabajos de la época, como ‘Cuatro bodas y un funeral’ o ‘Notting Hill'. Más la primera, sinceramente, con una banda sonora para la ocasión. Esa sonrisa arrebatadora ha traspasado todas las fronteras generacionales. A día de hoy continúa siendo un referente en el género del romanticismo.
Precisamente es ahí donde su figura se empezó a hacer grande a lo largo de los años. Empezando por una joya escondida del cine español, como ‘Remando al viento’, de Gonzalo Suárez. Una obra maestra de nuestro cine, en el año sin verano o, mejor dicho, el año que vio la luz el Frankestein de Mary Shelley. La película aborda la relación de amistad entre Shelley y Lord Byron, interpretado por Hugh Grant. Un guion excepcional, con diálogos de peso y una historia fascinante.
La comedia continuaría con otro trabajazo de eterna banda sonora, como ‘El inglés que subió una colina pero bajó una montaña’ y, nuevamente de época, en ‘Sentido y Sensibilidad’. Colaboraciones con Woody Allen, más comedias románticas en ‘Love actually’ o ‘El diario de Bridget Jones’, hasta que la vida personal se mete en la trayectoria profesional, con escándalos varios.
Pero el actor da un nuevo paso, una comedia más seria. Llegan las colaboraciones con Guy Ritchie, en ‘Operación U.N.C.L.E.’, ‘The gentleman’ y ‘Operación Fortune’. Entre medias, un gran trabajo en ‘Florence Foster Jenkins’ y aparición estelar en ‘Dragones y Mazmorras’ y en ‘Wonka’.
Hasta la transformación definitiva de un mito romántico en alguien maléfico y terrorífico, con ‘Heretic’. Nominación al Globo de Oro incluida, Hugh Grant saca su lado perverso para poner en jaque las creencias religiosas de dos jóvenes mormonas. Una película oscura, angustiosa, con primeros planos desquiciantes y que es sostenida por la interpretación del actor británico.
El 'Nosferatu' de Murnau está considerada, y con razón, como una de las obras cumbres del expresionismo alemán, cuitas judiciales aparte por los derechos de autor. El vampiro de Max Schreck es un icono del cine de terror desde entonces (1922) y el uso de sombras sigue causando admiración. Al igual que, en su conjunto, la historia del Conde Orlok, el agente inmobiliario Hutter y su afligida esposa Ellen.
El paso del tiempo no ha hecho mella en este Nosferatu, remasterizado por Werner Herzog en 1979, con un Klaus Kinski siempre perturbador. Ahora, en 2024, tenemos dos aproximaciones más al personaje de Murnau: 'Nosferatu. A simphony of horror', que llegará a Apple TV; y 'Nosferatu', de Robert Eggers, estrenada en cines recientemente.
Sobre esta última hablamos hoy, tomando prestada la sombra alargada de un vampiro humanizado, al que interpreta Bill Skarsgård, cuya poderosa presencia y voz gutural inundan la pantalla. El resultado de la represión sexual, del amor tóxico, de los celos y la culpa no sanada.
Eggers adapta a los tiempos modernos una historia que trasciende cualquier época. Como ya hiciera con La bruja allá por 2015, el director y guionista estadounidense explora los pecados no expiados de la humanidad. Una humanidad entregada a un sueño de la razón que produce monstruos. Una razón, como expresa otro magnífico Willem Dafoe interpretando al profesor Albin Eberhart Von Franz, que ha hecho luz de gas sobre el mundo de las emociones.
Por eso se manifiesta ese brutal y sanguinario Conde Orlok que, como la peste, arrasa todo a su paso. Una personaje que solo viene a mostrarnos a dónde conducen la represión y la culpa. Y es ahí donde también emerge una figura principal como Ellen, interpretada por Lily-Rose Melody Depp, hija de Johnny Depp y Vanessa Paradis.
Es en ella donde Eggers concentra toda la carga dramática, sexual y perturbadora de la película. Con muecas y gestos imposibles, regala los momentos más terroríficos de 'Nosferatu', acompañada por el propio Skarsgård, que tampoco tiene mucho que hacer para acojonar.
La puesta en escena de la actriz es fascinante, apoderándose con su tristeza del guion. Sus vanos intentos por sanar la culpa del pasado, salir a flote en una sociedad represiva que tacha de locura todo aquello que no entiende, se convierten en el motor de una película que navega entre las luces y las sombras de la imagen, otro de sus fuertes con una portentosa música de Robin Carolan.
Más allá de la imagen, de nuevo Eggers aborda ese choque científico-emocional, recurriendo al terror onírico, a las pesadillas con las que mantener activado al espectador. Se alarga por momentos pero, afortunadamente, la entrada en escena de Dafoe levanta la película hacia un final inevitable.
Nosferatu se convierte así, paradójicamente, en una película fresca, original, que ahonda más en los traumas de los personajes principales y que adapta el clásico de Murnau con una visión contemporánea que, en definitiva, sigue representando los monstruos perpetuos de la humanidad.
Título original: Nosferatu
Año: 2024
Duración: 132 min.
Género: Terror / Drama / Remake
País: Estados Unidos 
Dirección: Robert Eggers
Guion: Robert Eggers. Libro: Bram Stoker
Música: Robin Carolan
Fotografía: Jarin Blaschke
Reparto: Lily-Rose Melody Depp, Nicholas Hoult, Bill Skarsgård, Willem Dafoe, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney
Puntuación: 7/10
Roma, año 211 (año arriba, año abajo). Has pagado tu entrada para ir al Coliseo. Hoy hay naumaquia y lucha de gladiadores. Se celebran Juegos en honor a la enésima victoria de un general allá por tierras bárbaras. Has oído que es la expansión de la civilización, que hubo un sueño llamado Roma, que solo se podía susurrar, o algo de eso. ¿Quién lo dijo? Algún filósofo, tal vez. Qué más da, porque nuca pisarás esa arena, ni la verás y tocarás. Sí, en cambio, la del Anfiteatro Flavio. Y ahí, amigo, quieres sangre y espectáculo. En ese momento tu único anhelo es pan y circo. Y eso es lo que vas a tener.
“El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por la avaricia de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que, en nombre de la caridad y de la buena voluntad, saque a los débiles del Valle de la Oscuridad. Porque él es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquéllos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos! ¡Y tú sabrás que mi nombre es Yavé, cuando mi venganza caiga sobre ti!”.
Que la vida es como un río, que no se puede tocar el mismo agua dos veces, porque la corriente que ya ha pasado no va a volver a pasar es, además de una frase propia de un motivador barato, una obviedad. Todos los momentos son únicos y por lo tanto irrepetibles. Alguna situación se puede parecer a otra pero, en ningún caso, será igual por diversos factores.
Por eso, decir que el verano de 1969 fue irrepetible sería caer en la simpleza de una frase hecha, pero sin duda nos encontramos ante uno de los periodos estivales más movidos de la historia reciente. El Festival de Woodstock, con toda su mística y artistas legendarios participantes, junto al mediático asesinato de Sharon Tate y a otras cuatro personas y el bebé que la actriz esperaba para dos semanas después de ese fatídico 8 de agosto, fueron dos de los hechos relevantes de ese verano. Pero sin duda, el momento cumbre fue la llegada del hombre a la luna, el 20 de julio de 1969. En Fly Me to the Moon nos hablan de ello.
Johnny ha despertado y su sed de sangre es brutal. Es un tipo 'De naturaleza violenta', como reza el título de la ópera prima de Chris Nash. Un slasher con aroma a clásico, por la concepción de sus imágenes, su puesta en escena y llevar al entorno natural a esta sanguinaria máquina de matar.
La película, pausada (a veces en exceso) nos propone otro punto de vista: el del asesino en serie, con una estética muy Zodiac. Ahora bien, éste es un zombie y su historia se remonta a muchos años atrás. Y ahí está el por qué de ese desenfreno sanguinario.
Hay películas que te golpean y zarandean mientras las ves. Que te acongojan y estremecen. Esos dramas que te hacen bajar al suelo, a la realidad, con los que eres consciente de ser afortunado porque tus miserias, si es que las tienes, no son para tanto porque hay situaciones personales, vidas, en definitiva, que han sido y son sacudidas sin piedad. Que te hacen ser más humilde si cabe. Memory, película dirigida por Michel Franco, es una de esas.
Esta obra trata sobre Sylvia y Saul. La primera es una trabajadora social que porta una mochila demasiado pesada. Una carga que contiene abusos sexuales, alcoholismo y el miedo a que su hija, ya adolescente, pase por el mismo camino traumático que a ella le tocó atravesar. El segundo es un hombre desahuciado por una demencia precoz que le impide recordar los acontecimientos más cercanos en el tiempo manteniendo intactos los recuerdos pasados. Cuando una noche, tras una fiesta de antiguos alumnos de instituto, Saul sigue a Sylvia a su casa, ambos abrirán una puerta al pasado que conecta inesperadamente con el duro, inhóspito y aún así maravilloso presente.
El poder del perro fue una multipremiada película dirigida en el 2021 por Jane Campion. También fue el título de una recomendable novela escrita por Don Winslow. Pero no, aquí y ahora no vamos a hablar ni de la película ni del libro, sino de otro poder y otro perro: Arthur, título además de la película que llega este viernes 31 de mayo a nuestras carteleras. La increíble -pero real- historia de un perro abandonado y su relación con un equipo de raid de aventura que competía en una carrera de 400 millas a través de la jungla.
Roma, 1946. Delia tiene tres hijos y está casada con el tirano Ivano, un sujeto que no para de maltratarla. Tras la guerra, ambos luchan por sacar a su familia adelante con varios trabajos mal pagados. Pero un día, una maravillosa noticia les alborota: Marcella, la hija mayor, acaba de comprometerse con Giulio, un joven educado y de buena familia. Delia está muy ilusionada con este nuevo comienzo que probablemente traerá un futuro mejor para todos. Sin embargo, la llegada de una misteriosa carta puede cambiar el futuro de toda la familia.
El Coloso de Rodas era una gran estatua situada en la isla griega de Rodas, en el sur de Europa. Destruida por un terremoto en el 226 a. C., es considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo. Abandonamos aquí este breve repaso sobre la monumental y celebre estatua, pero no el sur de Europa ni el concepto de coloso. Este último aplicable, sin lugar a dudas, a dos gigantes de nuestro cine: Javier Gutierrez y Luis Zahera, que coinciden en uno de los grandes títulos que llegan en el segundo trimestre de este 2024: Pájaros.
